18,7 millions de français ont l’intention d’aller au cinéma dans les quatre prochaines semaines, selon un sondage Médiamétrie, soit 45 % des spectateurs de cinéma des 12 derniers mois.

De Gaulle est de retour sur les écrans le 22 juin. Cette date de réouverture des cinémas, heureux hasard pour le biopic de Gabriel Le Bonim, est une date historique. L’appel du 18 juin n’a jamais été enregistré : la version sonore connue est celle du second appel du Général, radiodiffusé le 22 juin 1940 par la BBC.

Sorti en salle le 4 mars, De Gaulle avec Lambert Wilson dans l’uniforme du général, revient sur plus de 600 écrans. Il aurait pu quitter le circuit des salles avec le confinement et filer en VoD ou sur les plateformes de streaming, mais son distributeur, SND (filiale de M6) a fait de la résistance, alors qu’il croulait sous les offres. « Nous avons voulu le réserver à la réouverture des salles par solidarité », a expliqué SND lors d’une’ convention avec les distributeurs français, organisée vendredi par l’hebdomadaire Le Film français.

Voilà donc De Gaulle en produit d’appel de la réouverture des cinémas, tout comme La Bonne Épouse de Martin Provost avec Juliette Binoche. Sortie le 11 Mars, cette comédie irrésistible sera visible sur 800 écrans.

Capacité des salles à 50 %.

Après la fermeture brutale des 2000 cinémas, le 15 mars, exploitants et distributeurs ont vu les choses en grand pour faire revenir les spectateurs : le programme est riche. Il y aura l’embarras du choix entre les ressorties de films dont la carrière a été brutalement interrompue (De Gaulle, la Bonne Épouse, une Sirène à Paris, Un Fils) des nouveautés (Filles de Joie, Nous les Chiens, Benni, L’Ombre de Staline, Le Capital) des films de début d’année qui retentent leur chance (Ducobu3, Radioactive, Vivarium, Invisible Man), des classiques en version restaurée.

Certaines salles vont rouvrir dès minuit, dans la nuit du dimanche 21 au lundi 22 juin, dans les salles pathé à Paris, à Lyon) et Gaumont (à Toulouse, à Rennes) avec des avant-premières. En vedette, Mon Cousin de Jan Kounen, avec Vincent Lindon et François Damiens.

Ce cinéma d’après ne va pas tout à fait ressembler au cinéma d’avant: il y aura mois de séances, moins de spectateurs dans les salles (remplies au maximum à 50 % de leur capacité), des fauteuils libres de chaque côté des spectateurs ou groupes (amis, familles, couples…), un mètre de distance dans les files d’attente, le port du masque recommandé dans les halls et les couloirs.

A la Fédération nationale des cinémas français, le président Richard Patry se dit confiant sur cette reprise : « Nous sommes enthousiastes parce que 100 % des salles rouvrent. Et après 99 jours sans spectateurs, on a trouvé un bon équilibre entre 99,99% de plaisir et 0,1% de contraintes sanitaires. On va retrouver le plaisir fou de partager une émotion collective en regardant des films ».

Extrait du Bien Public du 20 Juin 2020.

Jean 1^er de Bourgogne naît au palais ducal de Dijon en 1371 et meurt sur le pont de Montereau-Fault-Yonne en 1419, en présence du dauphin de France, le futur Charles VII.

L’exposition “Jean Sans Peur (1419-2019)” proposée par les Archives Départementales de la Côte-d’Or, présentait la vie de Jean 1er de Bourgogne, à travers une vingtaine de documents (traités, de paix ou de mariage, documents comptables, sceaux, lettres échangées avec le dauphin de France ou l’héritier d’Angleterre, illustrations issues de tableaux et d’enluminures…). Les documents présentés reviendront sur des événements marquants de sa vie : la croisade de Nicopolis en 1396, l’assassinat de Louis d’Orléans, frère du roi, en 1407, dont il est l’instigateur, ou sa propre mort sur le pont de Montereau.

Depuis quelque temps, je voyais passer cet entrefilet insistant sur l’exposition aux archives départementales, 8 Rue Jeannin, commémorant le 600e Anniversaire de l’assassinat de Jean sans Peur « en mission diplomatique ».  Au passage, qu’adviendra-t-il de cette exposition – qui devait s’achever le 3 Avril 2020 -, en plein confinement ?

Pour le Far-Westien que je suis, émigré à deux reprises dans la Capitale des Ducs, la saga des Valois n’est entrée que très progressivement dans mon patrimoine. On pourrait presque dire que la politique des Ducs en matière de vins fut ma première « Charte Qualité »… Diable ! Ainsi, Jean Ier, fondateur de la dynastie, aurait été une sorte de nouveau Talleyrand avant l’heure ? Maurice Druon ne m’avait pas laissé cette impression dans « Les Rois Maudits ». Retour aux faits : nous nous situons en pleine Guerre de 100 Ans, le Connétable Du Guesclin est mort depuis longtemps, et Jeanne … déjà Pucelle (elle a 6 ans). En bref, sur le terrain, les anglais « dominent » depuis la Bataille d’Azincourt en 1415.

Le 29 mai 1418, le dauphin Charles, âgé de quinze ans, résidant à l’hôtel Saint-Pol à Paris, est menacé dans sa vie par les tueurs bourguignons de Jean sans Peur, aux ordres de Capeluche, qui viennent d’envahir Paris (par traîtrise, en se faisant ouvrir l’une des portes de la Capitale). Ceux-ci massacrent le comte d’Armagnac et un grand nombre de partisans armagnacs du jeune dauphin. Entouré par des conseillers fidèles à la couronne de France, Charles se réfugie à Bourges, capitale de son duché de Berry, pour y organiser la résistance face aux Anglais et aux Bourguignons. Pourtant, il se retrouve rapidement contraint de traiter avec le duc de Bourgogne s’il veut défaire les Anglais. Jean sans Peur et le dauphin Charles se rencontrent une première fois le 8 juillet 1419 à Pouilly-le-Fort, puis à nouveau le 11 juillet, pour signer le traité de Pouilly-le-Fort, dit « la paix du Ponceau ». Le 19, un Te Deum célèbre à Paris leur prochaine réconciliation. Mais celle-ci est différée par une attaque des Anglais qui, progressant le long de la Seine, s’emparent de Poissy le 31 juillet et menacent Paris. Le duc de Bourgogne fait évacuer la famille royale à Troyes. Enfin, Jean et Charles conviennent de sceller leur alliance sur le pont qui traverse l’Yonne à Montereau, le 10 septembre 1419.

Cependant, les partisans armagnacs n’ont « toujours pas digéré » l’assassinat de Louis d’Orléans, survenu douze ans plus tôt et toujours impuni en 1419. En effet, Jean sans Peur, après avoir commandité ce meurtre afin d’éliminer son concurrent du conseil du roi Charles VI, avait d’ailleurs proclamé haut et fort qu’il était l’instigateur de ce crime. 

Sur le pont de Montereau

Le 10 septembre 1419, les deux armées arrivent vers 15 h sur les deux berges de l’Yonne², de part et d’autre du pont de Montereau. Jean sans Peur est informé que l’on veut attenter à sa vie, son entourage accentue sa surveillance afin de protéger le duc. Il en est de même pour le dauphin. Au milieu du pont, des charpentiers ont élevé un enclos avec une porte de chaque côté. Il est convenu que les deux rivaux entreront dans l’enclos avec chacun une escorte de dix personnes et que les portes seront fermées pendant toute la durée de l’entrevue. Chacun des dix hommes prête serment. Malgré les dispositions prises, le duc de Bourgogne réfléchit encore sur le bien-fondé de cette dangereuse rencontre. De chaque côté de l’Yonne, les deux princes s’épient. Enfin, à 17 h, le duc de Bourgogne se décide : il s’avance vers le pont de Montereau. Lorsque les conseillers du régent dauphin, voient apparaître sur le pont le duc de Bourgogne, ils s’avancent vers le duc et lui disent : « Venez devers, Monseigneur, il vous attend ». D’un geste, Tanneguy III du Chastel encourage le dauphin à pénétrer dans le sas destiné à la rencontre entre les deux cousins et il y accompagne Jean sans Peur. Ce dernier, rassuré, s’écrie : « Voilà en qui je me fie »³. Jean sans Peur, armé de son épée, se présente au rendez-vous du pont, accompagné d’une escorte de dix hommes armés.

Le duc s’agenouille avec respect devant le dauphin, qui lui reproche d’avoir préservé sa neutralité, sinon son alliance avec les Anglais : le duc lui répond « qu’il avait fait ce qu’il devait ». Le ton monte, et dès lors,  deux versions contradictoires s’opposent entre les partisans du dauphin et ceux du duc de Bourgogne. Les chroniqueurs bourguignons prétendent que Jean sans Peur s’est fait agresser immédiatement, sans avoir entamé de discussion. Les partisans du dauphin prétendent de leur côté que ce dernier se serait montré arrogant et qu’il aurait signifié au dauphin qu’il restait tributaire du roi son père et donc dans l’incapacité de traiter en son nom.

Le sire de Navailles (Soutien bourguignon) aurait appuyé cet argument en insistant sur la subordination du jeune dauphin au roi Charles VI. Il aurait même fait le geste de tirer son épée du fourreau, ce qui aurait déclenché la réaction immédiate de la garde armée du dauphin. Il périra lui aussi en défendant Jean sans Peur.

Suivant la version bourguignonne, Tanneguy du Chastel porte un coup de hache au visage du duc en criant « Tuez, tuez ! ». Cependant que le dauphin est écarté de la scène, les hommes d’armes de chaque parti brandissent leurs épées et c’est alors la curée.

Le cadavre du duc de Bourgogne a la main droite sectionnée, à l’instar de ce qu’avaient fait les séides de Jean sans Peur quelques années auparavant, après l’assassinat de Louis I^er d’Orléans⁶. Pour les Bourguignons, le dauphin est considéré comme le principal instigateur de l’assassinat du duc de Bourgogne, malgré ses dénégations. Il est aujourd’hui difficile de trancher entre ces deux versions qui restent historiquement contradictoires.

Cet acte entraîne des conséquences « catastrophiques » pour la dynastie française de Valois et pour la France, déjà très affaiblies par les luttes de pouvoir et la défaite d’Azincourt. Philippe le Bon, fils de Jean sans Peur et nouveau duc de Bourgogne, fait alliance avec les Anglais, ce que son père avait toujours semblé éviter, bien qu’il ait observé une neutralité bienveillante à leur égard et ponctuellement bénéficié de leur aide. Cette alliance aboutit au traité de Troyes, ratifié le 21 mai 1420, qui, à l’instigation du nouveau duc de Bourgogne avec la complicité de la reine Isabeau de Bavière, a pour objet de déshériter le dauphin Charles en confiant, en ses lieu et place, la succession du roi de France Charles VI au roi d’Angleterre Henri V.  Heureusement, après de nombreuses péripéties, un couronnement à Reims et un bûcher, l’affaire se terminera bien… en 1453 !

L’Ours.

Elle avait fait son entrée dans le cinéma en 2007,  avec l’adaptation de sa BD autobiographique, Persépolis, film d’animation césarisé, et sélectionné aux Oscars. Pour son cinquième long-métrage, l’artiste iranienne exilée Marjane Satrapi signe un biopic de Marie Curie, Radioactive*.

Q. Marie Curie est-elle pour vous un modèle  ?

Réponse : Elle a toujours été dans mon univers. Ma mère qui voulait que je sois une femme indépendante m’avait cité deux exemples, Marie Curie et Simone de Beauvoir. Comme j’avais des prédispositions pour les sciences et que toute ma scolarité, j’étais la matheuse de l’école, Marie Curie était mon modèle. Une lumière qui me suit dans les ténèbres.

Q. Quelles qualités faut-il retenir de Marie Curie, l’une des « Immortelles » du Panthéon ?

Réponse : Elle est évidemment d’une grande intelligence, mais aussi, intransigeante et dure avec elle-même. Elle pouvait être affectueuse, certes, mais pas sentimentale du tout. Elle n’est pas pour autant austère : elle a un grand amour pour la vie, elle adorait danser. Elle dessinait aussi  très bien, avec un grand sens de l’observation.

Q. Vous vouliez refaire de Marie Curie une héroïne dans l’esprit des Français d’aujourd’hui ?

Réponse : Je n’ai pas voulu en faire une héroïne. L’histoire de Marie Curie a déjà été racontée, elle a inspiré des films, des séries, des documentaires. Il m’a semblé intéressant de refaire un film aujourd’hui pour raconter comment la découverte de la radioactivité a changé notre monde. Que fait-on des découvertes ? Il est de notre responsabilité d’en faire bon usage. En parlant d’Hiroshima ou de Tchernobyl dans mon film, je montre l’usage indécent que l’on a fait des travaux de Pierre et Marie Curie, deux des plus décentes personnes de l’humanité.

Q. La science est au coeur de la belle histoire de Pierre et Marie Curie. C’était un couple singulier pour son temps ?

Réponse : Il n’y a pas de séparation entre la science et leur vie : c’est la même histoire. La science les réunit. Ils s’aiment follement parce qu’ils ont en commun une passion de la découverte, de la recherche. Une énergie extraordinaire se dégage de ce couple. Ils  sont très modernes, Marie Curie l’est, mais son mari encore plus. Au début du XXe siècle, l’émancipation des femmes a déjà commencé, mais il était rare qu’un homme accepte que sa femme soit sa collaboratrice, son égale.

Q. Qu’est-ce-que peut nous apporter cette femme forte qui pourrait être une femme d’aujourd’hui ?

Réponse : Madame Curie n’a jamais fait partie d’un quelconque mouvement féministe : elle est scientifique et se pense égale des hommes. Marie Curie agit : elle est une féministe de fait et non de parole. Il ne s’agit pas de lever le bras et de  dire des choses : il faut être dans l’action. Je suis un peu ébahie quand je vois des actrices hollywoodiennes se mettre en noir pour aller aux Golden Globes : c’est inutile. Il vaut mieux s’habiller en fuchsia et regarder droit dans une caméra. C’est ce que nous devons apprendre d’elle, c’est qu’il faut agir.

Q. Il ne sert donc à rien de revendiquer plus d’égalité pour les femmes ?

Réponse : Ce sont nos actions qui vont faire que nous aurons l’égalité. La parole au début est bien sûr nécessaire, et rien ne se passe sans la parole, mais ensuite il faut que cela se transforme en actes. C’est ainsi que l’on réussit à avancer.

Q. Marie Curie est une femme d’une grande liberté. Vous vous reconnaissez dans sa liberté ?

Réponse :Certainement ! S’il y a quelque chose que j’aime le plus au monde, c’est la liberté. Quand commence une nouvelle année, on se souhaite toujours une bonne santé. J’y ajoute toujours la liberté. Et cette liberté n’est pas un droit que l’on vous donne. Quand vous êtes une femme, quand vous êtes née dans un pays comme le mien, il faut prendre cette liberté par force. Mais la première personne qui nous enlève cette liberté, c’est nous-mêmes, quand nous nous empêchons de faire certaines choses : s’émanciper de nous-mêmes, c’est déjà un bon début.

La liberté est un long combat du peuple en Iran. Comment voyez-vous votre pays ?

Réponse : Cela fait 20 ans que je n’y suis pas retournée, ma relation avec l’Iran est basée sur la nostalgie, sur mon émotion, sur mes rêves. Toutes ces choses-là vont à l’encontre de l’analyse et empêchent de prendre du recul. Je ne pense pas qu’en m’exprimant, je ferais du bien à mon peuple et à mon pays.

Q. Vous êtes en colère contre le pouvoir iranien en place, contre le manque de libertés, la répression ?

Réponse : Mes premiers chapitres de Persépolis étaient remplis de colère et de haine. Mon lexique, ma façon de m’exprimer, me renvoyaient au même registre que les gens que je n’aimais pas, mais moi, j’avais l’impression d’être du bon coté de la chose. Pourtant, de cette façon-là, je faisais exactement comme eux : l’émotion est l’arme des fanatiques. Il suffit d’appuyer sur le bouton de l’émotion, et les gens crient et hurlent. Il est facile d’être un monstre si on ne prend pas de la distance.

Q. Vous êtes interdite  de séjour en Iran ?

Réponse : Personne ne m’a jamais dit de ne pas retourner en Iran, mais vous avez les éléments devant vous : des gens y sont retournés et n’en sont jamais repartis. Pourtant, ils avaient fait bien moins de choses que moi. Je ne me vois pas passer les trente prochaines années de ma vie en prison.

Q. Vous vous intéressez en particulier au sort des artistes iraniens, comme les cinéastes Jafar Panahi et Mohamed Rassoulof qui ont été condamnés à de la prison ?

Réponse : Je les suis bien sûr, mais vous savez, je ne suis pas communautariste. Je ne trouve pas que tous les films faits par des Iraniens sont forcément d’excellents films, même si bien sûr, quelques-uns m’intéressent. De la même manière, je ne pense pas que tous les films faits par des femmes sont de bons films.

Q. Vous ne vous revendiquez pas comme cinéaste femme ?

Réponse : Non, absolument pas ! C’est un ghetto et c’est une fausse bonne idée. Parler de film de femme, c’est être condescendant envers nous-mêmes. On ne doit juger un film, comme un livre, que sur sa seule valeur artistique.

Q. Il faut se réconcilier avec les hommes ?

Réponse : Je suis humaniste. la terre est faite d’hommes et de femmes et les mauvais comportements ne sont pas spécialement masculins. Bien sûr, ne me faites pas dire que je ne suis pas consciente des inégalités entre les femmes et les hommes, que l’on voit très bien à l »oeuvre dans le monde du travail. Mais je suis confiante : les choses vont changer et dans le cinéma, davantage de femmes vont pouvoir faire des films.

Propos recueillis par Nathalie Chifflet – Paru dans le B.P. du dimanche 8 Mars 2020.

Radioactive* : sortie en salle le 11 Mars 2020.

Quatre-vingts ans : les heures sombres qui ont traumatisé nos parents s’éloignent… comme dans un dernier sursaut se sont effacées avec le Centenaire, celles de la Grande Guerre. Figure française historique du XXe siècle, Charles de Gaulle n’avait pourtant encore jamais eu droit à une adaptation de sa vie au cinéma. C’est désormais chose faite avec De Gaulle, en salles le 4 mars 2020. Porté par Lambert Wilson et Isabelle Carré, le long-métrage revient sur les quelques semaines qui ont mené au départ du général pour Londres et à l’appel du 18 juin 1940. Au coeur de ce film, on ne retrouve pas seulement les batailles politiques, mais surtout la vie intime et familiale de Charles et Yvonne de Gaulle. 

I. Synopsis :

En juin 1940, le maréchal Pétain veut arrêter la lutte armée contre l’Allemagne. Le président du conseil Paul Reynaud et le Général de Gaulle veulent continuer le combat mais ne sont pas entendus. L’armistice est signé. De Gaulle décide de se rendre à Londres pour chercher de l’aide auprès du premier ministre Winston Churchill et ainsi poursuivre le conflit devenu mondial. De son côté, Yvonne son épouse, voit l’ennemi avancer dangereusement et décide donc de prendre la route avec leurs enfants. En Angleterre, le général reste sans nouvelles de sa famille et s’apprête à prononcer un discours qui va changer le cours de sa vie et de l’Histoire…

II. Des critiques… mitigées.

Les critiques sont relativement satisfaites par De Gaulle. Ce « biopic quatre étoiles » pour Culturebox, qui considère le défi « relevé avec panache », tandis que La Croix salue « un film émouvant sur les heures sombres du printemps 1940 qui offre une vision sentimentale d’un stratège seul contre tous ». Le pari est également réussi pour Télé-Loisirs, qui salue « un biopic ambitieux réalisé comme un thriller politique et ménageant une vraie tension dramatique ». Dans l’ensemble, l’interprétation de Lambert Wilson est saluée par les critiques, Les Inrocks le jugeant « habité » par son personnage. Toutefois, toutes ne sont pas convaincues par l’émotion du film. Le Parisien reproche notamment à De Gaulle « la platitude du récit historique, trop classique ». Pour ce média, le long-métrage « manque de souffle » et « De Gaulle ne rentre pas dans l’histoire… du cinéma ». Un avis partagé par le média spécialisé Première qui déplore un « biopic coincé ».

III. Que faut-il vraiment en penser ?

Certes, ce n’est pas « J’accuse » … mais pour autant, est-on déjà sûr que ce De Gaulle-là n’entrera pas dans l’histoire du cinéma ? Avec le temps, le public oubliera le strass et les effets spéciaux pour ne retenir que le côté profondément humain de cette famille de haute tradition… Tradition militaire bien sûr, mais aussi haute rigueur morale, et simplicité toute campagnarde de la vie à La Boisserie, commune de Colombey-Les-deux-Églises.

De ce point de vue, le film est impeccable, sobre et émouvant ; on lui aurait sans nul doute reproché de ne pas avoir suivi l’abondante littérature produite par le Général lui-même, les quelques vidéos de l’homme seul partant pour Londres, avec pour ambition de « fusionner la France avec l’Empire britannique ». Cet épisode peu connu a pourtant existé, – cela paraît tellement incroyable aujourd’hui, à l’heure du Brexit – et le Grand Charles a réussi cette mission ! Seul l’effondrement prendra de vitesse ce nouvel avatar du destin.

Tout aussi abracadabrante est l’odyssée d’Yvonne qui s’échappe de Brest sur un bateau néerlandais, échappe aux bombardements allemands et parvient à rejoindre son grand homme à Londres.

Porté par tous les acteurs, et en premier lieu par Lambert Wilson et Isabelle Carré, le film rend compte avec justesse de la douceur de ce printemps 1940, en opposition complète avec l’atrocité de la déroute et de l’effondrement d’une démocratie. Il s’agit de l’acte 1 d’une longue suite de rivalités et de déchirements. Ne disposant que de son éducation, de sa personnalité et de son caractère, De Gaulle portera la destinée de la France et d’une large partie de l’Europe pendant encore 30 ans. Il n’était que temps et que justice que ce sobre hommage lui soit rendu.

L’Ours.

Renée Zellweger incarne Judy Garland à la fin de sa vie dans ce biopic. Critiques, bande-annonce, casting, tout ce qu’il faut savoir sur Judy.

Tout le monde a entendu parler de Judy Garland, l’interprète vedette du « Magicien d’Oz », ainsi que de la scie « Somewhere over the rainbow ». C’est l’une des chansons les plus connues de la fin des années 1930. Incarnant les espoirs et les rêves d’une jeunesse aspirant à un monde idéal d’amour et de joie, la chanson fut écrite en une nuit pour Judy Garland qui l’interpréta dans le film Le Magicien d’Oz, et elle devint le thème musical qui devait bercer toute sa vie. En effet, on lui demanda de l’interpréter à presque toutes ses apparitions publiques.

La mélodie plaintive et les paroles simples de la chanson racontent le désir d’une adolescente de s’échapper du « désordre sans espoir » de ce monde (hopeless jumble), de la tristesse des gouttes de pluie, vers un nouveau monde plein de couleurs « par-delà l’arc-en-ciel » (over the rainbow). Cette chanson exprime aussi la croyance enfantine selon laquelle les cieux ouvriront un passage vers un lieu où « les soucis fondent comme du sorbet au citron » (troubles melt like lemon-drops).

Seconde chose que l’on sait généralement sur Judy Garland, c’est qu’elle vient de rapporter l’Oscar de la meilleure actrice à Renée Zellweger. Les cinéphiles français se souviennent du trophée obtenu par Marion Cotillard pour la Môme. De là à penser que les artistes « sulfureuses » fournissent de la matière à d’excellents biopics…

Synopis : Hiver 1968. La légendaire Judy Garland débarque à Londres pour se produire à guichets fermés au Talk of the Town. Cela fait trente ans déjà qu’elle est devenue une star planétaire grâce au Magicien d’Oz. Judy a débuté son travail d’artiste à l’âge de deux ans, cela fait maintenant plus de quatre décennies qu’elle chante pour gagner sa vie. Elle est épuisée. Alors qu’elle se prépare pour le spectacle, qu’elle se bat avec son agent, charme les musiciens et évoque ses souvenirs entre amis ; sa vivacité et sa générosité séduisent son entourage. Hantée par une enfance sacrifiée pour Hollywood, elle aspire à rentrer chez elle et à consacrer du temps à ses enfants.

Les critiques : elles sont unanimes : Renée Zellweger a amplement mérité son Oscar de la meilleure actrice, décroché quelques semaines plus tôt pour ce rôle. « Renée Zellweger se livre corps et âme pour ce rôle exigeant, offrant une performance magistrale » selon Télé-Loisirs, Le Parisien note une interprétation « déchirante »,  Ouest France souligne que la légende d’Hollywood est « si bien incarnée par l’actrice de Bridget Jones ». Pour Première, ce biopic tout ce qui a de plus classique vaut d’ailleurs principalement pour cette performance d’actrice : « Sans jamais tomber dans l’imitation, elle rend compte de la complexité d’une vie de star lancée toute jeune et soumise à la pression d’un métier qui exige plus qu’il ne donne. Et finalement, elle nous parle autant d’elle que de Judy Garland. »

Inspiré de la comédie musicale End of the Rainbow, le long-métrage avait « seulement » été cité aux Oscars dans la catégorie Meilleure actrice et Meilleurs coiffures et maquillages. Judy doit donc beaucoup à son interprète, visiblement inspirée par Liza Minelli. Le film satisfera les amateurs du genre, et décevra sans doute les spectateurs qui attendent une « proposition originale ».

L’on apprend dans ce film, que Judy s’est « pris son premier rateau » de  Mickey Rooney, un autre enfant-star de Hollywood. Celui-ci aura eu la chance de vivre deux fois plus longtemps : 94 ans, de divorcer deux fois plus souvent, et évoquait cette rencontre bien longtemps après la disparition de l’actrice. L’enfance et l’adolescence sous la tutelle de M. Mayer (des studios MGM) sont un perpétuel balancier entre l’esclavage de la production et l’occasion de briller, de sortir de l’enfance pauvre du Minnesota : cela laissera bien plus tard des séquelles.

Que faut-il en penser ? Attendre une proposition originale sur une biographie, suppose de « picorer », de piocher des extraits, comme ce fut le cas de « J’accuse », ou du prochain « De Gaulle »; ici,  le parti pris est différent. Pour incarner le personnage, l’actrice Renée Zellweger a dû elle aussi se mettre au chant pour incarner ce rôle. C’est bien elle qui chante dans Judy : la comédienne a répété plusieurs mois durant avec le directeur musical du film. C’est donc bien la voix de l’interprète de Bridget Jones, transformée par ses talents pour coller au plus près à celle de Judy Garland, qu’on entend dans ce biopic. C’est très courageux, et c’est aussi ce qui fait la force et l’émotion des scènes de show restituant la tournée de Londres. Un très bon moment.

L’Ours.

En Australie, le peuple Gunditjmara raconte qu’un géant s’est transformé en volcan. Selon les scientifiques, l’éruption remonterait à 37 000 années, ce qui donnerait certains fondements à la légende et en ferait la plus ancienne histoire du monde.

C’est une légende racontée par le peuple aborigène Gunditjmara, de génération en génération. Dans le sud-est de l’Australie, quatre géants sont partis explorer l’île-continent sauf un, qui est resté sur place, où il s’est transformé en volcan. On dit qu’il a même craché ses dents, des roches formées de lave… Aujourd’hui éteint, ce volcan porte le nom de Budj Bim. Il est situé à l’ouest de Melbourne, dans l’État de Victoria.

Des géologues viennent de découvrir que cette légende aborigène ne serait peut-être pas dénuée de fondement et qu’elle serait peut-être née à la suite d’une éruption remontant à quelque 37 000 ans… Ce qui en ferait l’histoire la plus ancienne du monde.

La création des volcans.

Le géologue Eric Matchan et son équipe, de l’université de Melbourne, ont cherché à percer le mystère de cette légende. Ils ont publié leurs résultats dans la revue scientifique GeoScienceWorld. Les chercheurs ont étudié des roches volcaniques du volcan Budj Bim et d’un autre appelé Tower Hill, situé à 40 kilomètres du premier.

Avec les toutes dernières techniques de datation, ils se sont rendu compte que les deux volcans se sont formés il y a environ 37 000 ans. Selon Matchan, il est possible que les deux monts aient surgi et grandi de plusieurs dizaines de mètres en quelques jours à quelques mois.

Les scientifiques sont en tout cas en mesure d’affirmer que le Budj Bim et le Tower Hill se sont formés après une rapide série d’éruptions. Mais difficile d’établir si la légende est réellement racontée et transmise depuis aussi longtemps. Les traces humaines les plus anciennes retrouvées dans cette région ne remontent pas à plus de 13 000 ans environ.

Mais Eric Matchan affirme que dans les années 1940, des archéologues ont rapporté une hache en pierre, trouvée près de l’ancien volcan de Tower Hill. La hache étant enfouie sous les roches volcaniques, ce qui tend à prouver que des êtres humains vivaient dans la région avant l’éruption.

Ne pas confondre légende et réalité.

Selon les géologues, les soudaines éruptions ont vraisemblablement beaucoup impressionné les populations de l’époque, déclenchant peut-être l’histoire de quatre géants. « Il n’y a pas eu d’autres grandes éruptions volcaniques dans cette région dans les années qui ont suivi, et qui auraient pu inspirer ces histoires », explique Eric Matchan.

Ce n’est pas la première fois que les contes aborigènes sont considérés comme les plus anciens du monde. En 2015, le géographe Patrick Nunn, travaillant pour l’université de la Sunshine-Coast en Australie, a écrit une étude suggérant que certaines histoires racontées par les peuples autochtones de l’île-continent, notamment celles évoquant une montée des eaux, pourraient dater d’environ 7 000 ans.

Les scientifiques suggèrent un possible lien entre des légendes anciennes et des événements géologiques attestés, mais ils invitent toujours à traiter ce genre d’hypothèse avec prudence, comme Eric Matchan : « Nous ne prétendons pas que l’histoire de Gunditjmara est réelle ni aussi ancienne. »

Cela ne vous rappelle rien ?

L’histoire et l’étude de la cosmogonie sont émaillées de coïncidences, – ou si l’on préfère, de rapprochements chronologiques – tout à fait célèbres. Laissez-moi vous en rappeler deux, qui n’ont pu échapper à votre sélective mémoire judéo-chrétienne…

Le jour où le Christ a rendu l’âme, crucifié lors de la Pâque Juive au Golgotha, à Jérusalem, les témoins ont relaté qu’un orage d’une violence extrême s’est abattu sur la cité, « au point que tout l’horizon en fut durablement obscurci ».  Cet événement a bien eu lieu, on en a retrouvé la trace, et c’est d’ailleurs lui qui a permis de dater avec précision la Passion du Christ, malgré les imprécisions du calendrier julien…

Plus près de nous, en 1066, se déroule la célèbre bataille d’Hastings, qui consacre la victoire finale de Guillaume Le Conquérant, et lui confère la couronne d’Angleterre. Cet événement a été retranscrit « à la main » sur une tapisserie monumentale (plus de 70 mètres de bande dessinée en continu) par l’épouse de Guillaume, la Reine Mathilde. Cette tapisserie est toujours visible au Musée du Baron Gérard de Bayeux, où elle a fait d’une restauration importante, et d’une nouvelle mise en scène, destinée à mieux la protéger ; bien, me direz-vous, mais quel rapport avec le sujet ? Eh bien, figurez-vous que sur cette tapisserie d’âge canonique apparaît la Comète de Halley, que les compagnons avaient remarquée au-dessus de leurs têtes durant toute leur héroïque traversée de la Manche.

Paru dans

L’Ours.

La superproduction de Sam Mendès décrochera-t-elle l’Oscar ? Sortie au tout début de l’année 2020 sur nos écrans, elle a déjà suscité des commentaires plus qu’élogieux, dithyrambiques.  1917 cumule pas moins de dix nominations aux Oscars 2020 : il est cité dans les catégories meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario original, meilleure photographie, meilleure musique original, meilleur son (mixage et montage), meilleurs coiffures et maquillage et meilleurs effets spéciaux. Auparavant, le 5 janvier 2020, le film de guerre de Sam Mendes avait remporté le Golden Globe du meilleur film dramatique et celui du meilleur réalisateur.

Alors, la messe serait-elle déjà dite  ?

Le synopsis est pourtant simpliste : alors que la Première Guerre Mondiale bat son plein, deux jeunes soldats doivent porter un message au Deuxième bataillon. S’ils échouent, la troupe sera prise dans un piège dont 1600 hommes ne réchapperont pas. Schofield et Blake ont une journée pour s’infiltrer derrière les lignes ennemis et éviter la mort de leurs frères d’armes. Une mission impossible dont dépend la survie du frère de Blake… Le scénario co-écrit par Sam Mendès lui-même serait inspiré des histoires racontées par un certain Alfred Mendès, caporal… Cela fait furieusement penser au soldat Ryan, qu’il fallait aller récupérer dans le bocage normand, dernier survivant d’une fratrie de quatre, la saga racontée par Steven Spielberg.

La Normandie en Juin, la Champagne en avril … le printemps est partout : les deux films sont très esthétiques. Mais là s’arrête la ressemblance.  1917 repose sur une prouesse technique : pendant 1h 50 minutes, le public est happé « comme par le direct »  totalement au côté des deux soldats britanniques suivis par la caméra. Compliqué à tourner, 1917 est pourtant ce qu’on appelle un « faux plan séquence ». Ce n’est en effet pas un unique plan séquence qui compose le film, mais plusieurs scènes longues mises bout à bout, donnant l’impression de ne jamais être coupées grâce à des ficelles de montage et une virtuosité technique. Au total, environ 40 à 50 scènes qui ont été tournées pour les besoins de ce film de guerre, estime Sam Mendes.

Le making-of de 1917 nous en apprend davantage sur la manière dont le film a été mis en scène. Roger Deakins, légendaire directeur de la photographie a dû composer avec ce défi fou. Le film se passe quasi intégralement en extérieur et, étant donné que les personnages se déplacent tout le temps, aucun décor n’est le même, ce qui a été difficile à gérer en terme d’éclairage. « Filmer en extérieur nous rend dépendants de la lumière et de la météo et on a réalisé qu’on ne pouvait pas éclairer » car les caméras se déplaçaient parfois tellement qu’il était impossible de placer des éclairages en dehors du champ. Il a également fallu faire attention au faux-raccords causés par les nuages !

La guerre, oui. Mais pas la boucherie.

Le film est réaliste et violent, mais ne ressemble en rien aux falaises d’Omaha de Steven Spielberg. Le spectateur est mis à l’épreuve, mais les scènes de combat ne « dégoulinent » pas dans la salle,… il n’y aura pas de malades obligés de sortir avant la fin.  Beaucoup de détails sont historiquement exacts : ainsi des tranchées et abris souterrains que les armées allemandes consolidaient et bétonnaient, alors que les alliés improvisaient et vivaient dans la boue… Autre image fidèle : le village d’Écouste, quasi rayé de la carte lors de l’incendie, ressemble aux quelques communes rasées près de Verdun, comme celle de Fleury, qui comptait 110 habitants en 1916.

Conclusion.

Un beau film, vraiment, même pour les personnes peu amatrices du genre : il se passe des choses improbables… Ici, les cerises, étincelantes au milieu de toute cette nature, jouent un rôle-clé, que je ne vous décrirai pas. Je ne suis pas un bigarreau d’avril !

Tout le monde a entendu parler des « Filles du Docteur March » ; aussi la superproduction sortie le 1er janvier 2020 offrait-elle l’occasion de revisiter nos souvenirs et vieilles images du roman de Louisa May Alcott, justement cité dès le générique du film. Pendant la guerre de Sécession, le Docteur March est parti au front, laissant sa femme et ses quatre filles dans leur maison de Concord,  dans le Massachussets. Jo rêve de devenir écrivain, au grand désespoir de sa très riche tante qui voudrait la voir mariée. Amy, de son côté, ambitionne d’être une peintre reconnue. Meg, qui se verrait bien actrice, se conforme davantage à ce qu’on attend d’elle et est sur le point de convoler. Beth, la cadette, a une santé fragile. Très proche d’elle, Jo l’est également de Laurie, un voisin qui finit par lui demander de l’épouser. Elle refuse d’épouser le jeune homme, qui n’est qu’un ami, et compte bien réaliser ses rêves… Plus qu’un jugement, le témoignage de deux des actrices principales paru dans l’Internaute offre une grille de lecture éclairante. Extraits :

Les Quatre Filles du Docteur March a été écrit par Louisa May Alcott en 1868 et 1869. Ces personnages peuvent-ils plaire à un public moderne ?

Florence Pugh (Amy March) : Je pense que le public continue de trouver ces personnages fascinants : ces quatre filles vivaient à une époque où il était impossible pour une femme d’avoir une carrière, de gagner son propre salaire et d’avoir une vie différente que celle qu’on avait décidé pour elles. Même aujourd’hui, leurs parcours restent inspirants. Je ne pense pas que les gens vont un jour se lasser de l’histoire de quatre jeunes femmes à qui on avait interdit de vivre la vie qu’elles désiraient, mais qui l’ont vécu malgré tout.

                             Concord – Massassuchetts.

Saoirse Ronan (Jo March) : Greta [Gerwig, la réalisatrice, ndlr] est une réalisatrice qui possède un regard neuf. Le rythme des dialogues et la musicalité d’une scène sont essentiels pour elle, ce qui rend le film très vivant. Et le coeur de l’histoire traite du rapport d’une femme de cette époque à l’argent et au succès, mais aussi du fait que pour réussir, on a besoin de nos proches autour de nous. Donc je pense que c’est une histoire qui reste très actuelle.

Selon vous, le propos féministe de cette histoire est-il toujours d’actualité ?

Florence Pugh : Oui, bien sûr. Dans différents endroits du monde, il y a certainement des mœurs qui se rapprochent de ce que raconte le livre et le film. Comme les femmes qui subissent un mariage arrangé pour des raisons économiques. Il y a encore des endroits dans le monde où c’est toujours d’actualité. Même chez nous : on revient de loin, mais on a encore beaucoup de choses à accomplir en matière d’égalité.

Que faut-il en penser ? :

Honnêtement, on est rassuré très vite sur la réalisation : le scénario « tient », le parti pris dramatique aussi. A tout moment, un nouvel événement intervient, drame familial, nouveaux voisins, rivalités… bref, ce n’est pas la Comtesse de Ségur. De plus, le contexte de la Guerre de Sécession ne prête pas à l’insouciance ( cette guerre qui  dure de 1861 à 1865 provoque la mort de 620 000 soldats, dont 360 000 nordistes et 260 000 sudistes, ce qui en fait la guerre la plus meurtrière qu’aient connue les États-Unis à ce jour). S’il fallait mettre un petit bémol, il porterait sur le manque de « lisibilité » entre le présent et les souvenirs de Jo, (Josephine March), la narratrice : heureusement, au moment où l’intrigue se dénoue, chacun est là, bien campé dans son rôle, les personnalités et contributions de chaque membre de la famille élargie à l’oeuvre commune, limpides. Une belle famille, en vérité ! Vous aimerez.